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二欧洲电影（第2页）

（五）德国

早期德国电影发展迟缓，直到1912年德国电影工业还乏善可陈，德国本土市场全部为外国电影所垄断。1913年，德国兴起了注重艺术个性和文学改编的“作者电影”，涌现出《另一个人》《乡村小路》《布拉格学生》等比较成功的作品，但艺术的成功无助于德国电影工业的发展。直到第一次世界大战结束，随着德国机械技术和胶片质量进一步的提高，以及政府1916年下令禁止外国影片进口的命令之后，德国民族电影工业才逐渐发展起来，并在20世纪20年代至30年代初期迎来了第一个黄金时代。这一时期德国电影空前繁荣、流派纷呈，影响最大的当属表现主义电影、“室内剧”电影和“新客观派”电影。

表现主义电影直接受先锋派绘画和文学艺术的影响，主张摈弃客观现实强调主观现实。第一次世界大战后面对德国政治动**、经济萧条，以卡尔·梅育为首的电影艺术家对德国的现状极为不满，主张艺术不应满足于对客观事物的描写，而应该强调表现主观的现实，倡导表现主义电影的创作。1919年，德国影坛推出了罗伯特·维内导演、梅育和捷克作家汉斯·雅诺维支编剧的影片《卡里加里博士》，这是德国第一部具有表现主义风格的影片。影片讲述一个精神病院院长模仿18世纪意大利一个名叫卡里加里的魔术师的催眠术试验，通过控制一个叫凯撒的梦游人进行杀人的离奇而又近乎荒诞的寓意故事，整部影片的布景充满幻想色彩的表现主义绘画效果，服装、化装和表演也向表现主义风格靠拢，影片公映之后获得了极大成功。此后乔治·凯泽的《从早晨到午夜》（1920）、罗伯特·维尔的《盖努茵》（1920）、弗里茨·朗格的《疲倦的死》（1921）和《大赌徒马布斯博士》（1922）、茂瑙的《诺斯费拉图》（1922）等一批重要的表现主义影片相继出现。

“室内剧”电影是与表现主义电影相对立的电影流派，一般指主要发生在室内、主要表现社会上各种小人物和他们所处的生活环境的影片。表现主义电影的奠基人和剧作家梅育在写了几部表现主义的电影剧本以后，又率先抛弃了自己兴起的流派，回到了现实主义的创作道路。1921年，梅育写出了他第一部室内剧电影《碎片》，随后又推出《后楼梯》和《除夕夜》，构成了著名的室内剧电影三部曲；之后1924年梅育写了他最后一部室内剧电影剧本《最卑贱的人》，该片被公认为是室内剧电影的代表作品和高峰之作，同时也是室内剧电影的终结之作。

20世纪20年代中期，德国政治、经济进入了相对稳定的时期，德国电影也相应地从“创作者的内心世界而趋向表现现存的外部世界”，1925年出现了主张客观、详尽、真实地再现现实的“新客观派”电影。新客观派电影的创作者离开摄影棚、走上街道、捕捉城市景象，为德国电影带来了全新的题材变化和风格变化，涌现出诸如卡尔·格吕纳的《街道》（1923）、乔治·派勃斯特的《没有欢乐的街》（1925）和布鲁诺·拉恩的《街头惨剧》（1927）等著名的“街道电影”。30年代，有声电影出现以后，德国电影业进入了短暂的繁荣期，推出了《蓝天使》（1930）、《M》（1931）、《西线战场1918》（1930）等少数享誉世界的优秀影片。但1933年希特勒上台后，德国电影业开始被纳粹所控制，大批电影工作者流亡国外，德国电影陷入低潮期。第二次世界大战以后，西德电影市场被好莱坞电影全线占领，再加上电视的强烈冲击，整个五六十年代德国电影都没有转机。

1962年2月28日，亚历山大·克鲁格为首的26位青年导演联名为奥伯豪森市的第八届西德短片节带来了一个重要的宣言，他们提出要创立新德国电影的目标，并具体阐述了要与传统的商业性电影决裂、创立新的国际性电影语言的两点主张，这就是使战后德国电影发生重大转折的“奥伯豪森宣言”。1965年，联邦内政部支持“德国青年电影董事会”，组织拍摄亚历山大·克鲁格的《向昨天告别》（1966）、埃德加·赖茨的《进餐》（1967）、约翰内斯·沙夫的《纹身》（1967）等在内的20多部电影，并于1966年和1967年在国际各大电影节上放映，重新奠定了德国电影的国际声誉，这一时期被称为“青年德国电影”。亚历山大·克鲁格的被公认为新德国电影的领袖，1966年他导演的《告别昨天》荣获威尼斯国际电影节银狮奖，成为青年德国电影的一部里程碑式重要作品；随后又拍摄了《马戏团蓬顶下的艺术家——不知所措》（1968）、《一个女奴的工作》（1973）等优秀电影。作为新德国电影的第一阶段，青年德国电影为复兴德国电影的历程做出不可磨灭的贡献。

20世纪七八十年代，新德国电影迎来了繁荣时期，涌现出了包括福尔科·施隆多夫、维尔格·赫尔措格、赖内·威尔纳·法斯宾德、维姆·文德斯四大干将在内的一批所谓“第二代”新德国电影导演，创作出了《铁皮鼓》《阿基尔，上帝的愤怒》《玛利亚·布劳恩的婚姻》等许多享誉国际、屡获大奖的优秀电影，极大推动了德国电影在艺术和商业上的进步。施隆多夫在1966年的处女作《青年特尔勒斯》中就显示出精湛的技艺和才华，1975年纪实手法拍摄、突破政治电影禁忌的代表作《丧失名誉的卡塔琳娜·布鲁姆》问世；1979年从不愿长大的孩子视点剖视第二次世界大战的影片《铁皮鼓》，不仅包揽德国本土年度最佳电影奖项，还摘取了戛纳电影节金棕榈大奖和奥斯卡最佳外语片奖，令施隆多夫享誉国际影坛。赫尔措格是新德国电影中风格独特的导演，《阿基尔，上帝的愤怒》（1973）、《人人为自己，上帝反大家》（1974）、《吸血鬼诺斯费拉杜》（1978）、《陆上行舟》（1982）等影片，奠定了其特异个性、想象丰富的电影特点。文德斯创立和发展了公路片的样式，20世纪70年代拍摄出了《爱丽丝漫游城市》（1973）、《错误的运动》（1974）和《时间的流程》（1975）的“旅行三部曲”，20世纪80年代来到美国之后连续推出了《德克萨斯的巴黎》（1984）、《柏林上空》（1987）仍兼有艺术个性和好莱坞类型特征的经典影片，20世纪90年代宝刀未老，创作出《直到世界末日》（1990）、《咫尺天涯》（1993）、《百万美元大酒店》（2000）等优秀影片。法斯宾德是新德国电影的主将，从1969年至1982年的13年间共拍摄了41部影片，从处女作《爱比死更冷》（1969）到后来的《恐惧吞噬灵魂》（1973），以及包括《玛丽娅·布劳恩的婚姻》（1978）、《莉莉·玛莲》（1980）、《洛拉》（1981）和《维罗尼卡·福斯的欲望》（1982）等在内的最为著名的德国女性电影四部曲，他的创作都个性鲜明、主题具有强烈思辨性、批判性和绝望感，而且独特地采用了好莱坞情节剧叙事方法跟德国式社会批判相互结合的创作方式，形成了极富德国本土特色的鲜明风格。用法斯宾德自己的话说，就是“我是一个为德国观众拍摄德国电影的德国人”。

1990年10月3日，德意志民主共和国和德意志联邦共和国经过45年的分裂终于实现了统一，社会政治的变化也带来了德国电影的巨大变化。由于好莱坞电影的冲击，以及统一之后一段时间内德国电影资金的匮乏，造成了20世纪90年代上半期德国电影创作比较艰难。除了施隆多夫等老导演以及一些女性导演的创作之外，以《驾车旅行记》《你好，同志》《谁说上两次谎》等为代表的德国喜剧片和以《德克萨斯》《精灵之屋》为代表的类好莱坞大制作商业片发展比较明显。此外对于90年代后半期的德国电影来说，新锐导演汤姆·泰克沃1998年导演的《罗拉快跑》具有某种革命性的意义，它以一种时尚的时代精神、生活方式和思维习惯，以及充满动感、杂糅游戏漫画和MTV元素的后现代视听风格等鲜明特点，开创了德国电影的全新艺术风格。

（六）波兰

1896年，波兰已经有了电影的足迹，但到20世纪40年代末，电影业的发展一直非常缓慢。1955年开始，波兰的电影工业开始设立“电影创作小组”制度，亚历山大·福特、安杰·蒙克、安杰·瓦依达等波兰导演，拍出了《巴斯卡街的五个男孩》（1954）、《轨道上的人》（1956）、《灰烬与钻石》（1959）等一系列展现波兰阴暗现实和人性弱点的影片，开创了闻名东欧的“波兰电影学派”运动。其中瓦依达是最著名的导演，他的创作对整个波兰电影的发展起到了非常重要的影响。1954年他拍摄了电影处女作《世代》，片中所呈现的地下抗争活动既冷峻大胆又**浪漫，被后来的大导演罗曼·波兰斯基赞誉为“整个波兰电影从这部影片开始”；1957年，他以充满悬疑暴力的娴熟技巧拍摄了《地下水道》，赋予地下抗击分子以很大的同情，虽然饱受争议，但在戛纳电影节上斩获了特别奖；1959年《灰烬与钻石》的问世完满完成了瓦依达地下抗争的三部曲，片中公开反对共产党的冷酷青年虽然是政治上的敌人，但手持机关枪、身穿紧身夹克、眼戴墨镜的形象却被塑造成了令观众崇拜的“英雄”，产生了骇世惊俗的震撼力。到1960年瓦依达创作《无辜的魔法师》的时候，波兰电影生产的制度已经井然有序，获得了广泛的国际声誉，但政治压迫也逐渐增强，官方审查更加严苛。

20世纪60年代，以罗曼·波兰斯基为代表的青年导演崭露头角，他们自觉摈弃了瓦依达电影中社会写实的风格，而强调一种强烈戏剧性、绚丽技巧性的表现方式。1958年，波兰斯基以短片《两个男子和一个衣橱》令国际影坛瞩目，1962年在波兰拍摄了第一部长故事片《水中刀》，以悬疑片的模式讲述了一对婚姻失败的夫妇带一个年轻人同游大海的故事，全片情节紧凑、气氛紧张，但场景简单、风格自然，取得了非常大的成功；此后波兰斯基移居西方拍片，先后创作了《罗丝玛丽的婴儿》（1968）、《唐人街》（1974）、《苔丝》（1979）、《苦月亮》（1992）、《死神与少女》（1994）等著名影片。《无辜的魔法师》和《水中刀》的编剧杰兹·斯库里莫斯基在导演风格上更接近于法国新浪潮，他以漂泊者的核心形象进行创作，导演了《识别标记：无》（1964）、《征服对手》（1964）、《关卡》（1966）等重要影片。60年代末，“波兰电影学派运动”逐渐结束。

20世纪70年代中期，随着波兰大众对经济政策不满情绪的增长，波兰电影创作兴起了“道德焦虑电影”。最重要的代表作是瓦依达在1976年拍摄的影片《大理石人》，片中通过摄影机调查了一位模范工人失踪的整个过程，在揭示意识形态的同时，质疑和探讨了电影影像的真实性主题。此外还有《高干走狗》（1977）、《漩涡》（1978）等众多“道德关怀”影片。另外青年导演克里斯托夫·扎努西，是这一时期波兰电影的代表人物。他擅长于用冷静理智的眼光关注和表现波兰的现实状况，创作了《家庭生活》（1971）、《启蒙》（1973）、《电影爱好者》（1979）等重要影片。

20世纪80年代，随着工人示威运动的风起云涌，电影界出现了一种新的社会批判电影。为号召电影人以真诚的态度审视当代社会现实，瓦依达1980年拍摄了《大理石人》的续集电影《荷兰铁人》，影片以前所未有的力度和深度毫不客气地批判政府，受到了广大观众的欢迎。这一时期，波兰影坛又出现了一位被认为是自费里尼去世、伯格曼退隐后最能体现艺术电影成就的世界级大师，那就是克里斯托夫·基耶斯洛夫斯基。早年基耶斯洛夫斯基以一系列电视纪录片知名，20世纪70年代中期以后进入影坛拍摄了《疤》（1976）、《摄影迷》（1979）、《盲打误撞》（1981）、《无休无止》（1984）等影片。但真正建立他国际声誉的影片是1987年至1989年间为波兰电视台拍摄的10部系列短片《十戒》，并将其中的两部扩展为长故事片《杀人短片》和《爱情短片》。影片充分把握住了政治变革后波兰人复杂的内心世界和情感真实，混合着宗教的虚伪和世俗的尖刻，用现代的方式演绎了欺骗、通奸、死亡、爱情等宗教主题，冷峻而又深刻，奠定了其最负盛名的欧洲导演地位。进入20世纪90年代，基耶斯洛夫斯基首先推出了《维罗尼卡的双重生活》，然后在法国推出了跨国合拍的《蓝》《白》《红》三部曲，用丰富的视听魅力和深刻的主题含义，继续创造出欧洲电影的辉煌业绩。可惜1996年基耶斯洛夫斯基因病去世，这对于波兰电影、乃至世界电影都是一个重大的损失。

（七）西班牙

1896年西班牙问世了第一部影片，翌年第一部故事片也随后出现。20世纪20年代，《邪恶的村庄》和《阿拉贡的阿古斯蒂拿》等影片，代表了西班牙无声电影全面进入**期的最高成就。20世纪30年代上半期西班牙开始进入有声电影时代，1932年路易斯·布努埃尔拍摄的纪录片《无粮的土地》是这一时期最重要的作品。1939年4月西班牙内战结束，佛朗哥政府开始了长达30多年的独裁统治，为维护统治制定了包括不准涉及内战以及社会现实问题等在内的苛刻的电影审查制度。这很大程度上限制了西班牙电影的发展，导致一段很长的时间内只出现或歌功颂德、或纯商业性娱乐、或表现西班牙斗牛和吉卜赛歌舞的风俗等少数影片。

之后在法国新浪潮电影的影响下，西班牙在1962年至1967年间出现了叙事精巧、内涵深刻、反映现实的新电影。卡洛斯·绍拉是新电影的核心人物，他1959年拍摄的涉及青年犯罪问题的影片《流浪儿》被公认为是西班牙新电影的先驱之作；之后1965年导演的《狩猎》因严肃剖视人与人之间的隔阂、互不理解、以致相互残杀的本质，成为新电影的典型代表作；此后绍拉又拍摄了《安娜和狼》（1972）、《姑息养奸》（1975）、《薄荷刨冰》（1976）、《妈妈一百岁》（1979）等重要影片。此外西班牙新电影还涌现出曼努艾尔·苏梅尔斯的《从玫瑰色到黄色》（1963）、米格尔·毕加索的《图拉姨妈》（1964）、巴蒂诺的《给贝尔塔的九封信》（1965）等一大批优秀影片。新电影夭折之后，1973年维克多·埃利塞导演的《蜂房精神》和1975年何塞·路易斯·博劳导演的《偷猎者》成为最重要的影片。

1975年11月20日之后，佛朗哥独裁统治因佛朗哥离世随之瓦解，西班牙电影进入了一个崭新的时期。曼努埃尔·古铁雷斯·阿拉贡、皮拉尔·米罗、马里奥·卡穆斯等一批年轻导演，分别推出了《黑帮》（1977）、《昆卡的罪行》（1979）和《贾利·古柏在天堂》（1980）、《蜂房》（1982）等优秀电影。老导演们也佳作迭出，布努艾尔1977年拍摄了绝世之作《欲望的隐晦目的》，绍拉拍出了《血的婚礼》《卡门》《着了魔的爱》等舞剧电影三部曲。

20世纪80年代以后，西班牙最活跃、成就最卓著的电影导演，还要数佩德罗·阿尔莫多瓦。阿尔莫多瓦注重于反映当代西班牙社会现实，强调将视点对准自己熟悉的城市生活，并通过运用情节剧、通俗喜剧、黑色幽默等各种艺术表现手法，简练而敏锐地拍摄出《**迷宫》（1982）、《在黑暗中》（1983）、《为什么我命该如此》（1984）、《欲望的法律》（1987）、《神经濒于崩溃的女人》（1988）、《捆着我、绑着我》（1989）等一系列反映妇女、贫困、吸毒、卖**、同性恋等社会问题的影片。进入20世纪90年代以后，阿尔莫多瓦又拍摄出享誉国际影坛的《关于我的母亲》（1999）、《对她说》（2002）、《不良教育》（2004）、《回归》（2006）、《吾栖之肤》（2011）等影片，继续他一贯的鲜明叙事风格和影像风格。

除阿尔莫多瓦以外，20世纪90年代以后的西班牙影坛也涌现出一系列或女性导演、或反映女**的影片，出现了迪亚娜·德皮特里的《爱德华多》（1990）、罗萝内·拉萨的《晚餐》（1991）、埃莱娜·达贝尔那的《尤耶斯》（1999）、格拉西娅·克雷赫达的《当你回到我身边》（1999）、贝尼托·桑布拉诺的《母女独聚》（1999）、文森特·阿兰达的《疯狂的胡安娜》（2001）等众多著名影片，形成了非常突出的创作气候。

苏联电影曾经是世界电影辉煌而重要的支流，但随着1990年政治体制上苏联社会主义国家的解体，苏联电影已经真正地作为完整的一段历史而终结了。

1896年，沙皇俄国许多城市就已经陆续公映法国卢米埃尔兄弟的影片，之后马上也出现了最初的拍片活动。但是电影真正发展起来，还是在十月革命胜利以后。1922年列宁强调指出在所有艺术中电影是最重要的，此后早期苏联电影迅速发展起来，最有成就地呈现为包括库里肖夫、爱森斯坦、普多夫金、维尔托夫、杜甫仁科等著名电影艺术家在内的苏联蒙太奇学派。库里肖夫以“创造地理学”和“库里肖夫效应”两个著名实验为蒙太奇奠定了实践基础，爱森斯坦以《战舰波将金号》等影片以及理论探索发展并完善了苏联蒙太奇理论的完整体系，普多夫金以两部论著和影片《母亲》从独特的角度倡导叙事性为主的蒙太奇理论与实践，维尔托夫以“电影眼睛”理论和实践引领了世界纪录电影潮流，杜甫仁科以影片《土地》将苏联电影推上世界一流的地位。

1934年4月，全苏联作家代表大会明确提出了社会主义现实主义的创作原则，倡导文艺应该塑造社会主义新时代的代表人物和典型形象。此后一段时间内，苏联电影突出的特点是革命斗争和社会建设的题材占绝大多数，社会主义现实主义影片走向成熟和繁荣，标志性作品是1934年瓦西里耶夫兄弟导演的、表现红军英雄夏伯阳传奇故事的有声片《夏伯阳》。此后20世纪30年代后半期《波罗的海代表》《高尔基三部曲》《列宁在十月》《列宁在1918》等一批优秀影片相继问世。进入40年代，由于政治对文艺的过度限制，电影生产急剧下降，概念化、模式化的作品越来越多，苏联电影进入了较长时间的停滞和衰退期。

1953年斯大林去世以后，政治上的变革带来了苏联电影的“解冻时期”，不仅产量急剧增加，而且创作风格也极大地转向。原本强调完美英雄塑造的战争题材，发展为从普通人角度出发全新演绎的类型，1956年格利高利·丘赫莱依从女兵与俘虏之间的情感关系出发创作了影片《第四十一》，成为苏联新电影的发轫之作；1959年萨吉依·邦达丘克质疑俄国军人在集中营里所作所为的影片《一个男人的命运》也是典范之作。同时这一时期的电影创作也呈现出了两种显著的风格：1。注重强烈人道主义趋向的诗电影学派。杰出作品有1957年米哈依尔·卡拉托佐夫导演的影片《雁南飞》，以一位普通女孩的悲惨命运来巧妙浓缩战争省思的主题，其空前的艺术深度一举摘得了戛纳的金棕榈大奖；1958年丘赫莱依以一部展现普通士兵六天生活的影片《士兵之歌》，在社会写实中大量融会了人性的内涵。2。注重表达哲学理念的思想电影潮流。开此先河的是早年拍摄《列宁在十月》等影片的罗姆，1965年他完成了一部完全以第二次世界大战时期新闻纪录片剪辑而成的政论片《普通的法西斯》，表现出震撼人心的思想深度。另外这一时期，谢尔盖·帕拉让诺夫1965年拍摄了《被遗忘的祖先的影子》，影片以手持摄影、主观影像以及现代主义技巧等鲜明特点，在国际上屡获大奖；1969年拍摄的《石榴的颜色》也是优秀作品。

20世纪70年代，随着政治意识形态的强化，苏联电影创作主要集中在：1。《解放》《围困》等影片代表的史诗战争片，以及罗斯托茨基导演的《这里的黎明静悄悄》（1972）为代表的人道主义和英雄主义爱国题材；2。以1980年有机糅合生活真实和共产主义理想的《莫斯科不相信眼泪》为代表的道德探索题材影片，这也是苏联第一部获得奥斯卡最佳外语片奖的影片，还有以《白比姆黑耳朵》（1977）为代表的人道主义影片以及《秋天的马拉松》（1979）代言的社会问题片。1985年，戈尔巴乔夫上台执政，提出了改革新思维。《女政委》（1967）、《主题》（1979）等一批被禁演的影片得到解禁，之后1986年影片《悔悟》率先传递出改革的声音，苏联电影业进入了新时期，涌现出《国际女郎》（1988）、《出租车布鲁斯》（1990）等一系列优秀的影片，其中瓦西里·皮楚1988年聚焦精神空虚、理想幻灭的另类青春电影《小薇拉》最为出色，轰动国内外影坛，成为里程碑式作品。

1991年苏联解体，苏联电影不复存在。电影制片业完全私营化的改革，外来资金的投入，以及电影审查制度的取消等，为电影创作提供了非常有利的条件，俄罗斯电影随即繁荣发展起来。总体来说，俄罗斯影坛涌现出以下几股重要的创作现象：1。反思政治和历史问题的影片非常多，包括了以《阿富汗创伤》《腿》《穆斯林人》等影片为代表的反映阿富汗战争的系列影片，以及以米哈尔科夫导演的、荣获奥斯卡最佳外语片奖的影片《烈日灼人》（1995）、以巴维尔·丘赫莱依导演的、荣获威尼斯国际电影节青年评委会奖的影片《窃贼》（1997）等为主的批判和反思斯大林时代的众多影片。2。关注社会现实和普通人物的影片大批出现，包括《跳舞者的时代》《高加索的俘虏》《胜利日的故事》等重要影片。3。模仿好莱坞的俄罗斯本土商业影片发展活跃，《绰号叫野兽》《死亡线》《灰狼》《西伯利亚理发师》等影片非常成功。4。以瓦列里·托多罗夫的《聋人之国》（1998）、叶甫盖尼·尤费特的《爸爸，圣诞爷爷死了》（1992）以及阿列克谢·巴拉巴诺夫的《兄弟》等影片为代表，俄罗斯年轻导演开始崛起。

（九）捷克

捷克斯洛伐克是东欧电影事业比较发达的国家之一，1912年诞生了本土电影，到20世纪30年代已经成功形成了本国的电影学派，1931年还建立了当时欧洲最大的巴兰道夫电影制片厂。

20世纪60年代法国新浪潮出现之后，捷克电影界反响强烈，以1962年什特凡·乌赫尔拍摄的突破常规的影片《网中的太阳》作为先导，轰轰烈烈地掀起捷克电影新浪潮运动，并且在1963年至1967年间以屡获国际奖项为标志达到了艺术成就的巅峰。1963年，老一代导演杨·卡达尔和埃尔马·克罗斯采用先锋派的叙事手法拍摄了影片《死亡就是天使》；同年维拉·希蒂洛娃和加罗米尔·吉瑞斯运用直接电影的技巧，分别拍摄了影片《尝试新鲜》和《哭泣》，后者被公认为“捷克新浪潮的第一部代表作”。1964年新浪潮继续推进，杨·涅麦兹借鉴《去年在马里昂巴德》的手法导演了影片《夜间的宝石》，艾沃德·索尔姆继承安东尼奥尼的风格拍摄了影片《每天的勇气》。之后著名的新浪潮作品还有维拉·希蒂洛娃被誉为捷克最激进和最时髦的电影《雏菊——并非童话》（1967）、艾沃德·索尔姆怪诞寓言式映射捷克政治的影片《第七个白天、第八个夜晚》（1969）。新浪潮过程中，捷克电影界涌现出了一批优秀导演，最突出的是米洛什·福尔曼和伊凡·门泽尔。受意大利新现实主义和直接电影影响较深的米洛什·福尔曼，他的电影以嘲讽的写实风格和辛辣的社会批判见长。1963年处女作剧情片《黑彼得》用喜剧调侃描绘了一个彷徨困惑的捷克当代青年；1965年《金发女郎的爱情》则冷峻讽刺了一支进驻女性人口远超男性的工厂小镇的军队；1967年聚焦消防队员的心理情感拍摄了影片《消防员的误会》，表现出了强烈的纪录片技巧。伊凡·门泽尔因挑战意大利新现实主义风格，尝试全新的、极端的电影风格而著名，1966年他以**笑话、巧妙嘲讽和严肃主题相结合的方式，创作了影片《严密监视的火车》；之后又以《善意的夏天》（1967）、《弦上的云雀》（1969）等影片扬名国际。

捷克的美术电影在世界影坛中占据着突出的地位，早在20世纪30年代，第一批比较优秀的动画片就已经出炉，1945年又很早就建立了美术电影制片厂。50年代以后，捷克逐渐形成了自己独具一格的美术电影学派，其中杰利·特卡是布拉格动画的核心人物，他擅长于用木偶和图画讲故事，创作了《皇帝的夜莺》（1948）、《仲夏夜之梦》（1959）、《捷克古老传说》（1963）等优秀作品，赢得了很好的国际声誉。